10 CONSEJOS A LA HORA DE ILUMINAR UN ESPECTÁCULO

Cuando vemos un espectáculo inconscientemente buscamos ese momento justo donde algo pasa; una acción o un instante donde el tiempo se congela y todo pasa más lento, no entendemos muy bien dónde estamos pero nos gusta; nos dejamos llevar por este mundo abstracto donde el sonido nos hace levitar, las luces nos envuelven y somos estimulados tan finamente que nada falta, nada sobra.
Sinceramente espero que todos  pasemos, al menos una vez en la vida,  por esa sensación.
La reacción inmediata de algunas personas es contarle a sus amigos la experiencia que tuvo y otras personas tratan de analizar cómo fue que sucedió todo.

Los diseñadores, técnicos y artistas pasan toda una vida tratando de aprender como lograrlo y aun siendo un experto es muy difícil lograrlo. Pero, existe la receta de éxito? Pues sí, hay muchas recetas pero aun así el margen de error es muy grande.

A continuación voy a enumerar un check list de factores fundamentales para lograr ese momentum que todos y todas buscamos.

 

1 – ¿Para quién iluminamos?

Esta fué siempre una discusión en las mesas de trabajo, ¿iluminamos para el público presente o iluminamos para los espectadores que lo van a ver por video o TV?

Hace tiempo se acostumbraba a ofrecer una función especial con cambios en la iluminación para que las cámaras graben el espectáculo en cuestión, si en esta función había público se comunicaba que la iluminación sufriría cambios con ese fin; esto se debía a que la tecnología de captura,  o siendo  más específico, los sensores no eran tan sensibles como el ojo humano.
Hoy en día esta discusión está terminada, el desafío es iluminar para que en el mismo momento los espectadores in situ y los que miran por tv obtengan la misma experiencia de la iluminación de un espectáculo.
Esto se logra con mucho trabajo de diseño,  pero además con ayuda tecnológica, los sensores de las cámaras son mucho más sensibles, incluso más sensibles que el ojo humano.

Es muy importante entender esto ya que el número de espectadores es exponencial en streaming y redes sociales, cada espectador lleva un teléfono con cámara y muchas veces las cámaras no son de la mejor calidad.

2 – ¡El tiempo debe ser nuestro amigo!

Muchas veces cuando los diseñadores de iluminación nos encontramos con el desafío de iluminar espectáculos de mediano o gran porte, sentimos la necesidad de plasmar todo lo que aprendimos y utilizamos todos los recursos disponibles.

A CRONOS no le ganamos! 

Es importante entender que el equipamiento no se prepara por arte de magia, que los artefactos no se enfocan solos y las escenas no se arman en un instante. Es mucho más efectivo realizar poco,  pero bien!
El concepto en nuestro diseño debe ser suficientemente sólido para que se pueda representar con 400 artefactos de la mejor tecnología o 40 convencionales.
El desafío como diseñador es generar un lenguaje lumínico simple, sólido y fácil de comunicar.

Todo el tiempo que pongamos a disposición en el montaje del equipamiento es tiempo que perdemos para afinar nuestras escenas, estos tiempos deben estar controlados y balanceados.

3 – Luz funcional y luz artística.

Dentro de las concesiones artísticas que los iluminadores tenemos que hacer a la hora de crear la puesta lumínica de un show se encuentra elegir entre diferentes recursos técnicos.

Sectorizar para destacar algo, trabajar las intensidades para generar ciertas emociones o elegir colores armónicos con el arte del espectáculo. Todo esto debe estar bien diferenciado de la luz funcional.

Por ejemplo,  si un espectáculo de música en vivo va a ser transmitido por tv muchas veces, tenemos que preparar una luz frontal estandarizada y funcional a las cámaras donde no encontremos variables de temperatura de color. En un ejemplo un poco más complejo, si trabajamos con la cobertura televisiva de un festival, muchas veces nos piden poder iluminar al público, esto sirve a los organizadores para mostrar que es un éxito de taquilla, o bien si fue mal, disimular y solo poner en pantalla a los sectores donde hay gente ( la magia de la TV); lograr eso y además evitar romper la ATMÓSFERA TEATRAL es un desafío y una negociación constante entre lo funcional y lo artístico.

4 – Atmósfera Teatral.

Qué es la atmósfera teatral? Esta es una pregunta que me gustaría que respondan.
Es una pregunta que se hizo muchas veces el Lic. Alejandro Jaén en un estudio realizado para la Universidad de Nuevo León, Monterrey, México.

Cuándo comienza el espectáculo? 

Actualmente los espectáculos se piensan como una experiencia y esa experiencia comienza en el primer contacto que  espectador o potencia espectador tiene con el espectáculo, puede ser en la publicidad o simplemente a la hora de comprar el ticket. Todos estos estímulos  sugestionan al espectador y con una continuidad cuidada pueden ser el principio adecuado para que esta experiencia resulte en el momentum que buscamos.

5 – Un clásico, Menos es Más.

Las formas en la que nos involucramos en un proyecto pueden ser diversas pero hay algo que debe ser claro, debemos saber precisamente todo sobre el proyecto en el que estamos trabajando, o como dice mi amigo el pionero de la iluminación Juan José Quaranta:

¨ Tenemos que saber en qué problema estamos metidos¨ –

Saber en qué problema estamos metidos y entender el rol que ocupamos en el proyecto es fundamental, la estética o funcionalidad de la luz debe ser acorde y diagnosticar cuál es lugar que ocupa la iluminación es el inicio de nuestra propuesta artística.

Hace un tiempo participé como diseñador de iluminación y escenografía en una obra de teatro llamada Piel de Cordero, Estoy Acá, de la directora Patricia Tiscornia; En las primeras reuniones creativas los bocetos y conceptos artísticos fueron muy pretenciosos, estéticas llenas de detalles y estímulos.
La escenografía de igual manera plantaba telones enormes con transparencias, proyecciones y muchos otros recursos  con un solo fin, decirle a todo el mundo “Estoy Acá”, pero no respecto a la obra sino como individuo creador de arte. Nada más lejano a lo que realmente importaba.

La obra fue despojándose sola de todo el decorado y guirnaldas que planteamos, el texto era tan fuerte, con tanta verdad; las actrices hicieron un trabajo tan fino que la obra misma me despidió como artista y me contrató como técnico.  Cómo es eso? Resultó que la obra no necesitaba a un grandilocuente diseñador sino que necesitaba un facilitador técnico que se encargue de que el frente sea acorde, que un contraluz despegue la figura del fondo y algunos recursos técnicos simples.

Con respecto a la escenografía resolvimos no usar nada, el espacio escénico despojado completamente y en función a un texto aplanador. La obra fue un éxito!

 

6 – Al trabajar con cámaras cuidar la temperatura del color.

Luego de definir la estética o bien elegir la temperatura de color que vamos a utilizar es conveniente que los artefactos que utilicemos estén estandarizados, para explicarlo con un ejemplo claro, si voy a realizar un arreglo de luces frontales y dentro de los artefactos se encuentran diferentes fuentes de luz como tungsteno, led o  lámparas Hmi estas deben tener filtros para emparejar el color que emiten; si estas fuentes no son filtradas por contraste las más frías se va a tornar azules y las más cálidas van a transformarse en rojizas, esto va a ser más notorio cuando utilizamos una cámara. Como ejercicio les propongo observar todo lo que hacemos por la lente de nuestro teléfono celular.

7 – Tecnología como herramienta y no como concepto.

En la industria del espectáculo la tecnología es un de los aliados más importantes y a la vez más cambiantes. El descubrimientos y desarrollo de nuevas fuentes de luz a lo largo de los años hizo que los diseñadores cambiemos la forma de iluminar en varias oportunidades.

Muchas de estas nuevas tecnologías son de gran ayuda y se obtiene un gran beneficio en lo técnico y artístico al utilizarlas. 

Pero existe un lado oscuro, es muy fácil afectar nuestras decisiones artísticas por tales beneficios, en muchas ocasiones cambiamos por completo los conceptos estéticos solo por abusar de estos recursos.

Como si esto fuera poco dentro de la industria los fabricantes hace mucho caso a las tendencias y el mercado queda inundado de las nuevas tecnologías relegando a las viejas pero no obsoletas herramientas anteriores. 

Estas nuevas tecnologías no reemplazan a las anteriores sino que las complementan.

Se lo que todos y todas están pensando, la tecnología que más nos afecta es el LED pero hay miles de otras tecnologías que están revolucionando la industria como por ejemplo las fuentes de luz láser lanzadas recientemente o los sistemas de control con nuevos protocolos de comunicación con la posibilidad de controlar fácilmente cientos de miles de parámetros, otras de las tecnologías que estamos usando son los sistemas comunicación Inalámbrica, estructuras con cargas dinámicas y una de las tecnologías que nos está cambiando la forma de iluminar incluso en la actualidad son las luces móviles.

Es muy fácil sucumbir ante la tentación de utilizar tan conveniente tecnología pero no hay que olvidar que son herramientas y debemos ocuparlas en función del espectáculo y no crear el espectáculo entorno a una nueva tecnología.

Es abrumador ver cómo se introducen nuevos productos en el mercado y solo algunos pocos logran la trascendencia para aportar tendencias estéticas o funcionales, por ejemplo la mencionada fuente de luz láser aplicada a luces móviles de Clay Paky es muy interesante ya que el beneficio es completamente estético, el trabajo de color funciona por síntesis aditiva, al contrario de las fuentes de descargas que tienen que filtrar la luz para lograr los colores, esto resulta en mucha más luz. Es muy notorio el trabajo óptico del artefacto, no se ven puntos focales fuera del artefacto, gracias a eso lo que se obtiene es un haz de luz muy parejo, intenso y de excelente calidad óptica.

Recientemente se utilizaron 60 artefactos móviles modelo Xtylos de Clay Paky en el show de medio tiempo del Super Bowl.

8 – Efectos Atmosféricos. ¡PELIGRO!

Comenzaré aclarando que soy fanático de los espectáculos en los que hay llamas, confeti y por supuesto mucho humo, aclaro esto por que a continuación voy a describir como el mal uso de estos efectos puede arruinar tu show.

Existen muchos tipos de efectos atmosféricos y cada uno tiene su punto positivo y negativo, comencemos con el HUMO!

El humo o fog es de los efectos más difíciles de controlar, depende de muchos factores atmosféricos externos como la humedad, temperatura y viento en el espacio escénico.

El Fog es el humo convencional que se utiliza en casi todos los espectáculos, las máquinas son de las más económicas y con una tecnología utilizada ya hace mucho tiempo, consiste en calentar una solución química hasta evaporarla y gracias a la presión obtenida el resultante es expulsado hacia la atmósfera de espacio escénico. Actualmente hay a disposición diferentes soluciones que generan humo más liviano o más pesado.

El comportamiento de este efecto puede ser severamente afectado por las corrientes de aire y por ejemplo por la temperatura de las luces, es decir, si tengo una planta de luces de filamento concentrado de tungsteno la temperatura en el escenario va a ser alta por lo que el aire y todo lo que se encuentre en él, como el humo, van a subir inevitablemente o en el caso de utilizar una planta de luces de led la temperatura de aire va a ser mucho más baja por lo que podemos encontrarnos con nubes estáticas a la altura de la cara de los artistas.

Recomendación: siempre que utilicemos Fog convencional colocar turbinas profesionales o ventiladores hogareños para mantener el humo en movimiento, esto va a ayudar a que las partículas se separan uniformemente y la estética del humo sea más agradable.

Otro tipo de humo es el Haze, este efecto funciona de manera similar al fog pero la solucion es con una base aceitosa, esto resulta en un humo mucho más espeso y parejo, como una bruma. En muchas oportunidades el espectador no suele darse cuenta que hay humo en la sala dado que es casi imperceptible.

Como desventaja las partículas aceitosas que quedan en la atmósferas suelen engrasar todo lo que tocan, como por ejemplo las ópticas de proyectores y luces móviles.

Una nueva tecnología está siendo utilizada en muchos espectáculos indoor, las maquinas Fazer, funcionan como el fog pero entregan un humo más espeso y sus partículas se dispersan más fácilmente en el aire, como la solución que utiliza es de base acuosa no afecta las ópticas ni los sistemas de enfriamiento de los artefactos.

Pro encontramos el Low Fog o humo bajo, todos hemos visto alguna obra o algún evento social donde el protagonista entra como por arte de magia rodeado de humo que no se despega del piso, el efecto es asombroso, con los años la forma con la que se obtiene este efecto ha cambiado, antiguamente y me refiero con antiguamente a hace 10 años, este efecto se logra introduciendo hielo seco ( Co2 en estado sólido) en un recipiente con agua y este desprendía humo frío que se dispersaba por el suelo de nuestro espacio escénico; en la actualidad hay máquinas que funcionan básicamente como un refrigerador y enfrían el humo convencional haciendo que este quede en el suelo por unos segundos, este sistema es mucho más económico y mucho más fácil de controlar y manipular.

A menudo el exceso en la aplicación de estos efectos suele generar más problemas que soluciones, siempre que trabajemos con cámaras es recomendable disminuir la cantidad de humo en el aire ya que si una fuente de luz ilumina directamente las partículas puede saturar la imagen, un ejemplo claro es el flash en los eventos sociales; es útil analizar los shows televisados, estos solo utilizan soluciones suaves y muy poco haze. En espectáculos outdoor se recomienda el uso de muchas máquinas con turbinas ubicadas en diferentes partes del escenario.

 

9 – Posición de los artefactos.

Si hablamos de las características de la luz la primera característica numerada siempre es la posición.

Tratando de emular un momento realista como el amanecer,  una noche de luna llena o bien de forma funcional un arreglo de luz frontal para un evento. Es fundamental para el iluminador tomar buenas decisiones al elegir la posición de los artefactos, calcular las distancias los ángulos y la potencia de las luminarias.

Los artefactos o luminarias tienen características técnicas específicas, una forma de clasificarlas es reconociendo su potencia (consumo Watts) y el ángulo de su emisión lumínica( grados), de esta manera podemos reconocer fácilmente que herramienta utilizar para cada necesidad. Por ejemplo si la posición de las luminarias es muy lejana a la superficie a iluminar es recomendable elegir luminarias con ángulos cerrados y por el contrario si la posición de nuestras luminarias es muy cercana al área a iluminar se recomiendan ángulos más abiertos.

 

10 – Modas Usos y costumbres.

Hay muchos tipos de espectáculos, cada tipo de espectáculo generalmente tiene características especiales en su iluminación, mediante el análisis podemos darnos cuenta que además hay muchas similitudes entre ellos.

Con el tiempo cada tipo de espectáculo tiende a repetir recursos funcionales y de esta forma se crea una tendencia o moda.

Un caso concreto es la música en vivo, en los espectáculos según su género musical vemos dinámicas de movimientos similares en todos los show e incluso se pueden apreciar muchas similitudes en la elección de color.

Esto se debe varias razones:

Los espacios escénicos donde se realiza el espectáculo es similar y las estructuras donde se realiza el anclaje mecánico de las luminarias es el mismo, por ende la posición de las luminarias es la misma.

El equipamiento que los fabricantes proporcionan al mercado es usado tanto en Ballet Clásico como en Rock, por lo tanto la similitud de características en cuanto a las morfologia es inevitable.

Los sistemas de control son los mismos, los efectos de movimientos preestablecidos y hasta la paleta de colores es definida por el fabricante, pocos diseñadores se atreven a generar su propia paleta de colores para cada uno de los espectáculos en los que trabaja.

Estas modas son completamente funcionales. Hace un tiempo con la introducción al mercado de la luz móvil tipo Beam, muchos diseñadores pensaban que el uso de la luz emitida por este artefacto como elemento escenográfico iba a ser una moda pasajera, erróneamente muchos creyeron que las empresas que invirtieran en estas máquinas no podrían recuperar su inversión, nada más lejos de la realidad, este tipo de artefacto fue totalmente aceptado, hoy en día luego de 10 años de su lanzamiento es la luminaria más utilizada en espectáculos de música en vivo de mundo.

A la hora de encarar un diseño se toman decisiones estéticas donde estas modas o costumbre pueden ser tomadas como punto de partida o bien descartadas para encontrar un nuevo camino estético.